-Vista hace pocos meses, a petición de algunos lectores vuelvo a traer el bosquejo utilizado para mi presentación en el Deicy de CARTA DE UNA DESCONOCIDA (LETTER FROM AN UNKNOWN WOMAN). Sin duda, una de las cumbres del cine romántico, en su vertiente obsesiva:

-Hoy toca película del genial cineasta alemán MAX OPHÜLS, posiblemente el mejor RETRATISTA en cine del ALMA FEMENINA.

-Muestra mujeres ENAMORADAS pero DESENCANTADAS, APASIONADAS pero CONTENIDAS, INDEPENDIENTES pero ESCLAVAS de un AMOR IMPOSIBLE.  

-La figura DOLIENTE de LISA, su protagonista, permanece como uno de los GRANDES RETRATOS FEMENINOS de la Historia del Cine.  

-El AMOR siempre es el hilo conductor de sus personajes. Y también el factor DESENCADENTANTE de su comportamiento.  

-También OPHÜLS nos presenta el AMOR CONYUGAL como vehículo y CALDO de CULTIVO para el TEDIO, que empuja a la protagonista a la búsqueda de otro amor más PASIONAL. Todas esas relaciones son tratadas con un PROFUNDO SENTIMIENTO ROMÁNTICO del AMOR, como si se tratase de una fuerza ARREBATADORA imposible de FRENAR, y a la vez con una ELEGANCIA EXQUISITA.  

-Constituye uno de los más APASIONANTES y PATÉTICOS estudios precisamente sobre la PASIÓN AMOROSA… en este caso desde el punto de vista de ella.  

-FATALISTA, MELANCÓLICA, EMBELESANTE…  

-Un director que como es este inmejorable caso, movía la CÁMARA a RITMO de VALS.  

-Enamorado de una VIENA IRREAL e IDEALIZADA en la que ambienta PRIMOROSAMENTE este AMOR IMPOSIBLE.  

-Estamos ante uno de los DRAMAS ROMÁNTICOS más INTENSOS, APASIONADOS y hasta ENFERMIZOS de la Historia del Cine.  

-El UNIVERSO del RELATO me parece ENFERMIZAMENTE ROMÁNTICO.  

-LISA mira a STEFAN desde todos los RINCONES: las VENTANAS, la ESQUINA de la CALLE, el RELLANO de la ESCALERA…  

-Frase de Joan Fontaine: “No tengo más voluntad que la suya”.  

-Tras la aparente SENCILLEZ con la que fluyen las IMÁGENES de esta película, se encuentra una COMPLEJA y ELABORADA puesta en escena que llena de SENTIDO toda la historia.  

-Una de las SECUENCIAS más EMOCIONANTES y SIGNIFICATIVAS de como el ESPACIO y la PLANIFICACIÓN se convierten en un elemento DRAMÁTICO más, es el ENCUENTRO de la adolescente LISA con su nuevo vecino músico.  

-SENCILLO y BANAL encuentro que reproduce como una PREMONICIÓN lo que va a ser su FUTURA RELACIÓN. Uno a CADA LADO de la PUERTA: Nueva RELACIÓN ESPACIAL que los SEPARA, que los ALEJA.  

-La MIRADA DESEANTE de LISA a STEFAN se traza siempre desde ÁNGULOS ESQUIVOS de VENTANAS, ESQUINAS o RINCONES.  

-OPHÜLS fue considerado FRANCÉS en su ALEMANIA natal, y AUSTRIACO en Francia, donde rodó 10 de las 22 películas que componen su filmografía (y 4 en Estados Unidos). Siempre a CABALLO entre CULTURAS.  

-Esta fue la PRIMERA película verdaderamente PERSONAL que pudo hacer en Hollywood. Aunque las otras se han acabado REVELANDO hoy en día como muy MODERNAS a la hora de exponer relaciones amorosas. Me refiero a ALMAS DESNUDAS, ATRAPADOS y LA CONQUISTA DE UN REINO.  

-Esta es la SEGUNDA de las 4 películas que OPHULS rodó para la industria NORTEAMERICANA.  

-En ESTADOS UNIDOS la película tuvo una FRÍA ACOGIDA y una vida comercial MUY CORTA en las salas. Pero la recepción en EUROPA fue EXCELENTE y desde entonces es una de las películas más POPULARES de la televisión NORTEAMERICANA. Algo parecido a lo que sucedió con ¡QUÉ BELLO ES VIVIR!  

-Como era habitual en su cine, trata sobre la FRAGILIDAD del AMOR, el carácter EFÍMERO del PLACER, el DESTINO…  

-El AZAR y la SEPARACIÓN, el ÉXTASIS de la UNIÓN AMOROSA (EFÍMERA como un espejismo, GLORIOSA como un baile bien EJECUTADO) y la IMPOSIBILIDAD de ALCANZAR o CONSERVAR el AMOR IDEAL.  

-El EXQUISITO Max OPHÜLS adoraba VIENA. Es el escenario ideal para esta EXQUISITA y DESESPERANZADA historia de amor.

-La que nos propone en sus películas, sobre todo aquí, es una VIENA más ARTIFICIAL, RECREADA y ESTILIZADA.

-Curiosamente no rodó allí NINGÚN trabajo, pero situó la ACCIÓN de 3 de sus mejores películas (y alguna otra como MADAME DE… que transcurre en París). Esas tres son LA RONDA, LIEBELEI (AMORÍOS) y ésta.   

-VIENA 1900, el cambio de siglo, es algo más que un ESCENARIO GEOGRÁFICO. Es una referencia CULTURAL y EMOCIONAL, un ESPACIO de FICCIÓN, un ESTADO de ÁNIMO. Y un espacio IMAGINARIO. La REAL la descubrió por primera vez a los 24 años.

-Esa VIENA del EXILIO fue enteramente RECONSTRUIDA en el patio TRASTERO de los estudios UNIVERSAL, constituyendo hasta el momento una de las MINIATURAS más SOBRESALIENTES de Hollywood.      

-La INFLUENCIA de OPHULS en el cine de STANLEY KUBRICK es EVIDENTE, algo que siempre reconoció el director.

-En CARTA DE UNA DESCONOCIDA… los ELEGANTES y DESCRIPTIVOS movimientos de CÁMARA (sobre todo el del APARTAMENTO de STEFAN) han influido mucho en la GRAMÁTICA del lenguaje cinematográfico.  

-Estando ese movimiento LIGADO a los motivos temáticos presentes en tantas de sus HERMOSAS y CRUELES películas.  

-Está planteada mediante un ESPLÉNDIDO FLASH-BACK.        

-CHARLES BAKER logró REEDIFICAR a la ESCALA de 5 CENTÍMETROS por 3 METROS, el PUENTE del DANUBIO, la ESTATUA del EMPERADOR FRANCISCO JOSÉ y otros escenarios VIENESES a partir de las PINTURAS de la época.

-Está basada en la formidable novela del formidable STEFAN ZWEIG.  

-En la novela de ZWEIG el personaje de STEFAN es un ESCRITOR, pero debido a la devoción de OPHULS por la MÚSICA (elemento ESENCIAL en su cine) le transformó en PIANISTA.    

-El GUIÓN es del propio OPHÜLS y HOWARD KOCH (uno de los de CASABLANCA). Gracias a la intermediación de FONTAINE pudieron trabajar con bastante LIBERTAD.  

-Se aporta un toque IRÓNICO: el comienzo de la película, en la que JOURDAN exclama “No me importa que me maten, pero ya sabéis lo wque me cuesta madrugar”. Queda así definido como un CÍNICO desde el principio.  

-Una SECUENCIA me FASCINA especialmente: La referida a ese PARQUE de ATRACCIONES en la que los AMANTES viajan en un VAGÓN ante RUDIMENTARIAS TRANSPARENCIAS de lugares TURÍSTICOS famosos.  

-La película es un DECORADO DENTRO de un DECORADO para la mayor ILUSIÓN ÓPTICA en el momento de MAYOR ILUSIÓN que vive LISA.  

-La ESTACIÓN del TREN se filma siempre desde el mismo ÁNGULO. La ESCALERA que vemos subir hasta 8 veces a LISA o STEFAN, cada vez tiene un SENTIDO DISTINTO.  

-Todo ello da una impresión CLAUSTROFÓBICA para mostrar una OBSESIÓN INSATISFECHA.  

-El ORIGEN del proyecto hay que buscarlo en la actriz JOAN FONTAINE, que se ENAMORÓ de la novela y al estar casada con el VICEPRESIDENTE del estudio, BILL DOZER, le propuso la adaptación.  

-De hecho, el filme nació como una VÍA para IMPULSAR la carrera artística de JOAN FONTAINE, hermana menor de OLIVIA DE HAVILLAND.

-Está EXQUISITA la gran JOAN FONTAINE.  

-Debido a la CENSURA de la época, el personaje de FONTAINE no pudo mantener los mismos RASGOS que los de la novela de ZWEIG, en la que LISA se hace CORTESANA y pasa su noche con STEFAN en un CABARET.  

-Filmografía de FONTAINE: LA NINFA CONSTANTE, REBECA, SOSPECHA, ALMA REBELDE, IVANHOE, OTELO, MÁS ALLÁ DE LA DUDA…  

-No desentona el APUESTO e INEXPRESIVO actor marsellés LOUIS JOURDAN. Filmografía: GIGI, CAN-CAN, MADAME BOVARY, LA MUJER PIRATA, AVE DEL PARAÍSO.  

-Inicialmente se pensó en CHARLES BOYER para el papel protagonista, pero era demasiado MAYOR. Tras encontrar a LOUIS JOURDAN, que acababa de protagonizar EL PROCESO PARADINE, Ophuls manifestó que había NACIDO para el papel.  

-Aparte de la MÚSICA original de DANIÈLE AMFITHEATROF, en el filme pueden escucharse FRAGMENTOS de las siguientes piezas originales, interpretadas por el pianista JOSÉ ITURBI: ESTUDIO en RE MAYOR de Franz LISZT, la ópera LA FLAUTA MÁGICA de MOZART y TANHAUSER de Richard WÁGNER.  

-La NOVELA de ZWEIG fue adaptada al cine MEJICANO por JULIO ALEJANDRO y dirigida en 1955 por TULIO DEMICHELI, con el título de FELIZ AÑO, AMOR MÍO.                  

Algunas FRASES de CARTA DE UNA DESCONOCIDA:  

“No tengo más voluntad que la suya” (Joan Fontaine)  

“No me importa que me maten, pero ya sabéis lo que me cuesta madrugar” (Louis Jourdan)  

“Vine a ofrecer mi vida, pero no te acordabas de mí” (Joan Fontaine)

“Hay cosas como el honor y la decencia” (Marcel Journet)  

“Me lo he repetido cien veces hoy” (Joan Fontaine)  

“Hablas como si no estuviera en tus manos. No es así, Lisa. Tienes voluntad. Puedes hacer lo más correcto o puedes destrozar tu vida” (Joan Fontaine) 

-Me adelanto al cumpleaños de Clint Easwood -89 añazos este 31 de mayo, Día de Castilla-La Mancha- homenajeándole en el Deicy con uno de sus mejores y menos valorados trabajos como director, EL AVENTURERO DE MEDIANOCHE (HONKYTONK MAN). Un titán del Séptimo Arte y todo un gratificante verso suelto en lo personal. Happy birthday to you!:

Parece que para muchos Clint Eastwood solo comenzó a tener verdadero prestigio como cineasta a partir de BIRD, producida en 1988. En cambio, para otros, para mí sin ir más lejos, que veneré siempre incondicionalmente y sin prejuicio alguno, desde mi más tierna infancia, todas sus películas tanto delante como detrás de las cámaras, me pareció que ya era formidable desde su inicio como tal director. Sin ir más lejos, con su debut, con aquella fundacional –de ahí beberían ATRACCIÓN FATAL y similares- y perturbadora ESCALOFRÍO EN LA NOCHE (en el original PLAY MISTY FOR ME).

Con su segundo trabajo, INFIERNO DE COBARDES (HIGH PLAINS DRIFTER), ofreció un western singular y con estilo propio, con alguna reminiscencia del spaghetti western es posible, pero mostrándose a la vez como una sólido y genuino exponente norteamericano. Si me apuran el primero espectral o fantasmagórico de la historia, aspecto que llevaría todavía más lejos en esa obra maestra de mediados de los 80 que es EL JINETE PÁLIDO.

El tercero en su haber resultó no menos singular, PRIMAVERA EN OTOÑO (BREEZY), insólita historia de amor entre un señor mayor –el siempre formidable William Holden- y una hippy encarnada por Kay Lenz.

El quinto, de nuevo un western (solo ha rodado cuatro a lo largo de su carrera con firma propia; pasa como John Ford, que pese a ser un especialista en ellos, de los cuatro Oscar que obtuvo ninguno lo fue), es de nuevo una obra maestra incontestable, y si no, a reivindicar como tal de manera urgente. Me refiero a EL FUERA DE LA LEY, o THE OUTLAW JOSEY WALES.

Hecha esta presentación entiendo que obligada, aclaratoria y testimonial, debo señalar que EL AVENTURERO DE MEDIANOCHE ocupa el noveno lugar en su filmografía (siempre refiriéndome a su faceta como director, tenía ya 52 años cuando acometió este proyecto). Lo rodó entre el divertimento bélico de Guerra Fría FIREFOX, EL ARMA DEFINITIVA –impecablemente rodada, sobre todo sus escenas de acción- e IMPACTO SÚBITO, el cuarto de los cinco títulos de la saga Harry Callahan/Harry el Sucio que tantísima popularidad le proporcionara, y el único de ellos firmado por él.

Curiosamente dos años antes, había regalado otra perla a redescubrir, BRONCO BILLY que, de alguna manera, supone un antecedente de este HONKYTONK MAN –tal es su título original- o EL HOMBRE DE LOS GARITOS, si atiendo a una traducción más o menos literal.

Entre estos, bares de mala muerte durante la Gran Depresión (esas gentes comunes, con el agua económica al cuello, supervivientes, del pueblo más llano), transcurren buena parte de las andanzas del protagonista de esta historia, el cantante de country ficticio Red Stovall interpretado por el propio Eastwood, e inspirado en leyendas del mismo como Hank Williams o Jimmie Rodgers.

Personaje que da pie a un excelente drama musical (con canciones, no con bailes) y a uno de esos retratos tan queridos por su autor, como los que solía ofrecer John Ford, de un perdedor, un anti héroe, un desarraigado, un tipo incapaz de echar raíces.

Pero, además, le sirvió para hacer una sentida descripción de uno de los períodos más agitados de la historia estadounidenses, el de la Gran Depresión. Y que, a la vez, no deja de mostrar tintes autobiográficos, pues él había conocido la pobreza en su niñez. Por otra parte, vuelve a poner el foco ambiental en ese Profundo Sur tan querido por él y por otros, como el que esto escribe, en mi caso desde el desconocimiento a la hora de poner el pie y desde la mitificada distancia.

Aplicaría para ello un ritmo pausado, melancólico, sereno, que le sienta como un guante a la historia. Y consigue conmoverme en varias ocasiones. O provocarme la risa o la sonrisa en otras, como esa delicada secuencia de la pérdida de virginidad de su sobrino en un prostíbulo.

Lo que queda claro es que, en esencia, es una película de carretera, un viaje iniciático y de maduración. También de despedida. De ahí ese plano final de concomitancias chaplinescas.

De paso, nos regala música a raudales, esa a ritmo de country que habla de soledades y desamores. A propósito de ello, reparen en la antológica secuencia de la estremecedora secuencia en el estudio de grabación… y el ataque de tos. En la misma le acompaña otro mito, en este caso de la música western (tan imbricada con el country), el célebre cantante Marty Robbins (EL ÁRBOL DEL AHORCADO, EL PASO), en la que constituiría su última aparición para la gran pantalla, pues moriría el mismo año de esta filmación.

También supuso una de las últimas interpretaciones del grandísimo característico John McIntire, en un papel reservado para James Stewart que tendría que acabar rechazando por serios problemas de salud.

Y al lado de Clint, acompañándole en ese sombrío y a la vez luminoso camino de ida, vuelta e incertidumbre, su propio hijo en la vida real, bueno uno de ellos, Kyle, que acabaría abandonando los platós para acabar convirtiéndose en un gran músico de jazz, pasión y vocación que comparte con su padre. Precisamente las canciones con las que está salpicado el deambular de estos individuos sin estrella es otro de sus grandes puntales. En absoluto estoy de acuerdo con que se le concediera una nominación a los Razzie (los anti Oscar) al bonito tema NO SWEETER CHEETER THAN YOU interpretado por el californiano.

No quiero olvidarme tampoco de Verna Bloom, radiante en el rol de Emmy, esa hermana luchadora y aglutinadora de la familia.

A destacar igualmente la estupenda fotografía tenebrosa de Bruce Surtees repleta de claroscuros. Se revela un magnífico ejemplo de ello esa primera actuación musical en un bar de Red Stovall o ese viaje en coche en el que Red le habla a su sobrino de la única mujer a la que ha amado, una jovencita bracera huesuda llamada Mary.

Fue un rotundo fracaso en Estados Unidos, España y la práctica totalidad de los países en los que fue estrenada. Va siendo hora de reparar tamaña injustica y recepción.